Tilroe, "The skin av kameleon '

Denne anmeldelsen gir en kritisk refleksjon over arbeidet til følgende ved Tilroe i ?? kameleon hud ?? beskrevet kunstnere: Orlan, Marlene Dumas, Sophie Calle, Dennis Oppenheim, Francesco Clemente, Gary Hill og Louise Bourgeois.

Orlan

Den franske kunstneren Orlan stater på spørsmålet om Tilroe om aldring og død som kroppen trenger for å bli gjenoppfunnet. Orlan hevder kontroll av at kroppen, og i den forstand av livet. Hun la til at hun forventer at folk i økende grad vil være i stand til å kontrollere bilens kroppen er, men ser kroppen som en maskin der du kan tinker til nødvendige endringer.
Bokstavelig talt, gjennom operasjoner forvandle seg til svært spesifikke velger andre, finpusse de faktisk ikke ?? fritt ?? men veldig fokusert. Hun sjekker kroppen på samme måte som den kontrollen som folk opplever i den virtuelle virkeligheten spillet Second Life? . Hun spiller, som andre liv i den perfekte ?? ?? verden, den perfekte ansikt, men dette vil i sine egne ord ikke ute etter perfeksjon i skjønnhet. Nå tar jeg den direkte grunnen til at hun da har spesielt valgt å operere med de samme bildene som Mona Lisa, Venus, etc. hun sier seg selv at dette har å gjøre med historien til disse kvinnene. Det er engasjert i mine øyne med skjønnhet og perfeksjon av det indre, så absolutt være på jakt etter perfeksjon i skjønnhet.
Orlan er, i likhet med Gary Hill og Francesco Clemente, men også Dennis Oppenheim og beskrevet hver artist i en forstand i ?? kameleon hud ?? ut av kjødelige karosseriet der sinnet er fanget. Gjennom eksperimentering, ønsker hun å komme meg inn i øynene bare innenfra. Tilskueren av hennes eget selv, har hennes kropp som et kunstverk i seg selv som antyder ?? virkelig ?? kan se. Med dette betyr at hun at utover forårsaker noen smerte for henne lemlestelse i sin egen kropp og ignorerer eksternaliteter bør være i stand til å se på essensen av hennes søken. For det er i mine øyne med henne spørsmålet om estetikk og etikk. I denne forstand, gjør estetikk ligner på etikk fordi begge ikke tilhører sfæren for å bli, men til sfæren av behovet; normer og verdier, snarere enn fakta er nøkkelen. Tilroe knytter fakta opplisting hennes kirurgi for eksempel til hennes selvbilde og bildet av kvinner generelt har av seg selv. Fra kunst filosofi om at første mulige synspunkt av å tenke på kunsten forholdet mellom kunstverket og fysisk, er at sensorisk realitet. I Orlan ?? s tilfelle dette forholdet i en viss forstand er lik fordi hun er hovedpersonen og kunst, selv når de viser videoklipp av de gjennomgått operasjoner som kunstverk. Selv om dette mediet er en forskjell i hennes kunst, og jeg kan forestille meg at dette stedet enklere for tilskueren. Visningen av bilder gir en viss grad av sikkerhet, avstand foran betrakteren i forhold til teknikkens stand. Jeg er enig med Orlan at en ekte seer er noen som, til tross for motvilje, smerte og følelser, kan du se bilder som sees og akseptere. Jeg tror også at det kulturelle utdanning prosessen ikke skal bli hemmet av avvisende skinn eller tanker. Både kunstopplevelse i å oppleve samfunnet rundt deg. Det går i mine øyne ikke å knytte en bestemt verdi dom på hva kunst er, men Orlan det kommer til å oppleve det valget hun har gjort. Jeg ville aldri ta et valg, og du kan ikke enig med det, men vær glad for at det er andre som gjør disse valgene, ditt lys en kort tid av din sannhet til de som kjører dem. Orlan kan sees som en leksjon i formidling av fri sjel, den personlige inspirasjon valgt å delta i verden. Orlan om hennes beslutning om å gjennomgå en operasjon ?? jeg vet ikke hvor dette bærer hen meg, men jeg vet at jeg har blitt mer rolig og trygg siden min avgjørelse ??.

Marlene Dumas

Den sørafrikanske Marlene Dumas malinger i verden i sin nakne sannhet. Jeg bruker ordet sannhet i dette, fordi jeg ikke kunne finne et annet ord som dekker lasten; Dette er min sannhet om arbeidet til Dumas, men husk: ikke sannheten. Tilroe sier om henne at for mye av den fysiske tilstedeværelse kan ha forårsaket gapende tomrommet i oss. Jeg tror det er for lite til å dempe fysiske forårsaket gapende tomrommet.
Dumas gjør det som er etter mitt syn ikke mye annerledes enn hva Orlan. Om konflikten mellom den verdenen kalles virkeligheten og personlige virkelighet; Den gjennomsiktige indre verden, eksponerer ved å endre henne som Orlan, eller ved å vise henne som Dumas, er det det samme. Begge mine øyne er engasjert i manipulering at verden pålegger dem de, gjennom verdivurdering. Perfeksjon i kvinnelighet, kontroll over kroppen og livet, perfeksjon i en vakker baby et vakkert bilde av en baby som vi liker å se showet blir behandlet nesten hånlig. Frykten for en mor å føde en naken og glatt vei, mens den visuelle virkelighet her rett utenfor døren vår. Vi bare kom løpende umiddelbart med et rent hvitt håndkle og pakke til plett av objektet ?? ?? plukke opp.
Sett fra apartheid som vokste de opp, jeg forstår veldig godt at de lyte dette ?? ?? / Dette skillet vil skildre bokstavelig. Hennes personlige uro og følelser i apartheid i Sør-Afrika er generert fra en visuell opplevelse; ikke bare oppleve at du lever med flere sannheter, men vil faktisk se som kan skille gjort av visuelle aspekter mellom de ulike sannheter. Hennes arbeid er de ytre Skiller ofte knyttet til den indre uroen hun i mine øyne personlig opplevd det. Å slå dem hvite kvinner i svarte ?? positurer ?? og kombinerer dem ned følelser til visse opptredener og kjønn, for eksempel i vekt hun setter på anklagen om at samfunnet setter på visse positurer ?? ?? av menn, men spesielt kvinner. Så stoppe i enhver kultur utseende for en viss følelse, en viss inwardness som man ønsker å formidle, men dette er bare bestemt av omverdenen. Ifølge noen, er alt arbeidet av Marlene Dumas om voyeurisme, om tolkningen av bildene og om å motsette seg passivt avvente den forstand at man som en off-label på deg. Hvem bestemmer mening?

Sophie Calle

Franske Sophie Calle gjør kunst av anonyme hverdagslige gjenstander. Dette er imidlertid ikke på langt nær dekke ansvaret for hennes kunst. Hva den gjør er å svare på en hemmelig ønske om å vite noe om disse tingene. Hun sier til hvert kunstverk / objekt en historie, både skriftlig og i form av innspilt tale. Ifølge Tilroe er kraften av Calles arbeidet de sette alt i sammenheng med en trykkende erotisk begjær. Hemmeligheten ønske om å vite ting du ikke kan eller bør vite, fordi de er private. Nevneren art Calle har en unnskyldning for utroskapen.
Gjennom denne indiskresjon å heve kunst spiller i Calle øynene mine på noe hver person i det; nysgjerrighet og en slags sjalu trang til å ønske å ha noe å fylle deg med en viss følelse uten denne følelsen i bare søke selv. Jeg ser henne som en som ?? ?? skittent arbeid, i betydningen av sosialt uønsket atferd, overhaler til en annen, tilskueren, takk. Nå er dette i utgangspunktet ikke sin intensjon i mine øyne som hun gleder seg. Hun tar livet av hverandre på, det løfter til kunst, og derfor har lite liv. Jeg lurer på om at livet er for henne; i sign av samfunnet spille en rolle for å gjøre den usynlige synlig, som Schopenhauer uttalt at selvbevissthet en permanent lidelse og som vil kunnskap og helt uavhengig av hverandre. Det virker som hun har ikke noe valg i sin måte å jobbe på, som om utenfor voyeurisme bestemt, utover sin kunnskap til en privat vei / hennes egen. Men på den annen side, jeg tror også at dette observere noe vi alle gjør i samfunnet, men i en slu måte å omverdenen fordi vi ikke liker Calle fagfolk er kikkere.
?? Sophie Calle gjør seg en inntrenger uten en klar identitet, hun fanger uten dom. Dette gjør oss til oss selv på en eller annen måte identifisere seg med henne, hun kan dele sin hemmelighet med oss ​​??
Spesielt den delen ?? uten altfor tydelig identitet ?? og ?? uten dom ?? Jeg synes det er i mine øyne fordi typisk omfatte de to tingene som gjør det mulig å arbeide med grupper, svarer for å gi oppfatningen av folk og plass for kreativitet og utvikling. Parentes ordet betyr tydeligvis at jeg antar at det er alltid en dom, men at kunsten har sitt eget ego så langt tilbake skyve tilskueren opplevelsen ingen her. Dette aspektet jeg finner spesielt til arbeidet med Calle fordi det er noe jeg vil bli fortalt for mange kunstnere som umulig, gitt den måten ofte hva det er og hva du bør tenke på når en bestemt kunstverk.

Dennis Oppenheim

American Dennis Oppenheim gjør konseptkunst og performance. Han gjør sin kropp og naturen som motiv og medium for sin kunst. I sitt arbeid har en tendens han i tankene mine sterke til selvskading, brukte han ?? leseposisjonen For andre grads forbrenning ?? Bruk av solen for å bruke et stykke kunst på sitt hjem. Hvordan han gjør som allerede er lest av fra tittelen.
Videre arbeid med ham, er beskrevet i huden av kameleon showet Dennis Oppen dukken fast i en stol og en gang i blant med hodet mot en kant spretter, og på et senere tidspunkt i livet sitt, et stort stillas som må bokstavelig talt gi uttrykk for hva som skjer i hodet hans, som han for å visualisere varmen i hjernen ?? brann, håndgripelig varme ?? anvendes. Spørsmålet om Oppenheim ?? Hva er det ?? det ?? som gjør at du gjør noe ??. På den tiden var dette møtt med ?? ?? mentalitet. Uansett hva du gjør, men hvordan du gjør det, mentaliteten.
Tilroe ser arbeidet til Oppenheim som et forsøk på å frigjøre seg, voldelige handlinger mot kroppen kjernen til hva som forårsaket den dypeste følelse av klaustrofobi: Følelsen av å være låst i hodet. Nå er hun også sier at den fasen hvor det varmen av hjernen i stillas salget er begynnelsen på slutten, mistet han til hjernen. Men hvordan kan du miste i hjernen? Jeg tror ikke på dette. Jeg ser Oppenheim arbeid, i henhold til Tilroe ?? s kritikk, spesielt når du prøver å komme løs, men også ser jeg dette som noe som gjør hver mann, men i en annen form. Oppenheim gjør en teknisk eksperiment, et eksperiment i skjema samt i moderne kunst med kubisme og Fauvisme og innen musikken er av stor betydning for å sikre utviklingen av moderne kunst. Et kunstverk er verdsatt i form av følelsesmessige og moralske kriterier eller i favør av ideen, og etter mitt syn forvirrer Tilroe sin egen emosjonelle dommen med en dom i favør av ideen.

Francesco Clemente

Tilroe sier om arbeidet til den italienske Francesco Clemente at han søker et samspill mellom ytre og indre verden. Clemente arbeider ut fra en preferanse for åndelighet i øst, aktiv bruk av sansene og sentralitet seksualitet som et middel til åndelig frigjøring.
?? Vi er kroppen vår, men vi vet ikke det ?? der viser han at det fysiske for ham direkte forbundet med det åndelige. På grunn av dette minner han meg om arbeidet til Orlan, begge er hovedpersonen i sine forestillinger. Clemente introduserer seg også i hans portretter. Både deres motivasjon for arbeidet deres er psykisk i naturen, selv om Orlan gir ikke så åpenlyst. Jeg tror at det ikke kan være noe annet fordi sinnet må først bli brakt til røre før hånden går til en klut eller et kamera. Når jeg sier dette, ville jeg imidlertid ikke gå mot påstanden om at mange av artistene vet ikke hvorfor de gjør noe, men starte og deretter se på slutten hva det har blitt. Jeg tror det er bare at han var tidligere i denne handlingen bevisst eller ubevisst uro der.
Nå som jeg nalees ovenfor er linken som jeg gjør med Orlan faktisk på hver påføring av kunstneren og ikke bare på Orlan. Jeg tror bare begge så mye imponere meg fordi de er noe ?? absolutte ?? har over dem. Det er som litteraturen beskriver deres måte å tenke på, bittersøt resignasjon umiddelbart, forkynner de en religion. Religionen oppfyllelse og maske foran den østlige åndelig religion av balanse.
Den fysiske person skal til Clemente frem som en megler mellom den indre verden av psyke og kosmos utover. Hans tro hviler det å ha tillit til de som "har tenkt på kroppen sin." Dette minner meg om dybden psykologi av Freud, og spesielt i hans første funnene, med fokus på de primale instinkter som bør bringes opp under isfjellet av det menneskelige sinn, for å ha guiding betyr avkjørselen til bevissthet sier noe om den instinktive energi og derfor tilfredsstillelse, stasjoner og begjær Dette underbevisste begjær har ingen målestokk eller grensen, som av hensyn til Clemente: kroppen er portrettert som noe skiter blod og tisse, men aldri blir et bilde av terror, begjær og condition.

Gary Hill

Den amerikanske Gary Hill jobber med rollen av samspillet mellom projiserte bilder og stemmer i persepsjon og kommunikasjon. Som lagt merke til i denne forstand, er kroppen ikke for her. Hill ser kroppen som et skall der noe er fanget som føler seg fortrengt, at noe er tenkt, fanger verden med vidåpne armer som barn gjør. I sitt arbeid mens mangler bare uskyld som barn, derfor han konfronterer meg med dette tapet, denne manglende evne.
Ønsket om en viss følelse av barn - være med meg personlig veldig mye i bevis. Kombinasjonen av melankoli og tristhet fordi denne følelsen å komme tilbake er vekslende med lykke, fordi det av og til forvirrer meg enda tilpasning av barnlig entusiasme og naivitet, hvor kunnskap, koder og store mennesker utstede meg helt glemt. Jeg føler meg veldig knyttet til sin visjon, og hvordan han opplever kampen mellom kroppsdeler og avstand i forhold til vår egen kropp og verden. Han rører meg mer enn artistene omtalt ovenfor, i en følelsesmessig måte, og gjør meg klar over at denne undertrykkelsen, tap av veigrep og spørsmålene fokuserte på rollen som vi spiller i våre liv går for flere personer. Dette aspektet av kunst er etter min mening det viktigste; få emosjonelle. Arbeidet Withershins er et eksempel på den følelsen. Folket, nesten portrettert som marion gå gjennom banene lagt ut for dem. Den opprivende av blindveier gjør meg, som indikert av Tilroe på jobb ved Bruce Nauman, ler mens faktisk gråt. For meg gjør Gary Hill i noen av hans verker det samme.
Ideer om hvordan å spille i vårt samfunn? I mine øyne, de gjør det meste ut av det fordi folk prøver å blande farger så ofte med sin egen palett uten å se på fargene på den andre; hvilke farger kontrast, som utfyller farger, fargene mangler. Disse manglende farger, prøver vi å legge til hele paletten, for å indikere at enheten. Dette ville være et utgangspunkt for å fokusere på viktigheten av arbeidet med Gary Hill, det er ikke det at jeg er personlig ikke enig; Jeg føler er litt dilemma fordi selv om mine egne ord, men jeg lurer også på i den andre enden ?? hvem er jeg til å bestemme for en annen hva som mangler ??. Uansett, sier Gary Hill at frelsen er frigjøring fra materialet og fysisk, og dermed frigjøre denne typen tanker som gjør meg bekymre seg om sammenhengen mellom arbeid Hill og mitt eget miljø.

Louise Bourgeois

Født i 1911 i Frankrike Louise Bourgeois fungerer i hans egne ord fra følelser sinne. Roten av hennes sinne, sett under leksjonen var på filmen om Bourgeois, i sin barndom. Hennes evig søken etter den bekreftelsen som barn hun aldri fikk fra sin far. Måten hun satte den forbi henne arbeid bokstavelig talt under giljotinen av nåtiden. Jakten på gråtoner erfaring sjokk og sorg når en referanse til fortiden. Alle disse tingene gjør meg til å forstå hvorfor hun er en stor inspirasjon på dette tidspunktet for kunstnerne i den post-moderne tid. Jeg tror dette har å gjøre med det faktum at frykten har vært hennes inspirasjon for å skape hennes kunst i hennes arbeid hun liker i hans egne ord bringe om frigjøringen av hennes fortid og ærlighet som hun bringer ut dette penetrerer verkene de skaper.
Kunsten Bourgeois står på egne og bør tolkes på den måten, fordi det kommer fra henne og bringer hennes personlige følelser og ikke av verden. Jeg kan forstå hvorfor mange en ung kunstner føler seg knyttet til dem, så er det noen ganger foraktelig gjort i kunstverdenen i mine øyne om artister som ?? terapeutisk arbeid ?? lage. Den bokstavelige og eksplisitt av sin fortid og følelser som kommer til uttrykk i hennes arbeid gjør det ikke mer smertefullt for meg å se på, i motsetning til enkelte verk av kunstnere som undertrykker disse følelsene og skjule implisitt i arbeidet under et lag av utseende og teknikk.
Re ?? lovfesting; den trofaste re-enactment av historiske hendelser.
I mitt sinn spiller Louise Bourgeois her med sin smertefulle fortid og måten de håndterte det i realiteten av hennes arbeid i uten henne intensjon. Hennes sjel er i min ødelagt, derav dets destruktive tendenser rettet mot knusende sin egen kunst. Disse kravene vil også bli fortalt av andre at den moderne kunst fra et indre behov som kommer fra sjelen åpner opp en verden som ikke ?? ut ?? men her ?? i ?? plassert. Kanskje åpningen av den verden, som Louise Bourgeois gjør i mine øyne med sitt arbeid brutalt, hvorfor hennes arbeid er sterk, at håret beundret som en outsider og en eller annen måte sympatisere med henne mens hun faktisk først som en ekkel, temperamentsfulle og fossile gammel kvinne som skjer.
Arbeidet med Louise Bourgeois kan også sees som en terapi i stedet for kunst. Her er nok til å komme opp mot argumenter, men hvis du ser veldig objektivt det er det hun selv sier.
(0)
(0)

Kommentarer - 0

Ingen kommentarer

Legg en kommentar

smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile
Tegn igjen: 3000
captcha